Jerry Saltz Citas famosas

Ponte en la posición de un artista prometedor que vive en la Italia de principios del siglo XVI. Ahora imagina tratar de distinguirte de los otros artistas que viven en tu ciudad: Miguel Ángel, Rafael, Leonardo o Tiziano. ¿Es de extrañar que el Alto Renacimiento italiano durara solo 30 años?

Para involucrarnos con el arte, tenemos que estar dispuestos a equivocarnos, aventurarnos fuera de nuestras zonas de confort psíquico, suspender la incredulidad y recordar que el arte explora y altera la conciencia simultáneamente.

Cuando la gente en los estadios hace la Ola, es el organismo colectivo de la mente grupal que se organiza espontáneamente para expresar una emoción, pasar el tiempo y reflejar la alegría de ver los ritmos de muchos como uno, una rima visual o música en la que todos sienten hacia dónde va el movimiento.

Miles de millones de fotos se toman cada año, y lo más difícil que puede hacer un fotógrafo es inventar un estilo visual original, profundamente personal y reconocible al instante. A principios de los noventa, Wolfgang Tillmans hizo precisamente eso, transformándose en un nuevo tipo de artista-fotógrafo de la vida moderna.

El arte es una forma de mostrarle al mundo exterior cómo es tu mundo interior.

'Summer of Love: Art of the Psychedelic Era', el viaje del 40 aniversario del Museo Whitney por el carril de la memoria de la contracultura, ofrece momentos de diversión animada, pero te dejará cómodamente adormecido. Para empezar, puede ser el espectáculo más blanco, directo y conservador visto en un museo de Nueva York desde que la psicodelia era nueva.

El arte está cambiando. Otra vez. Aquí. Ahora. Las oportunidades de presenciar esto son raras, así que asista y observe.

En el arte, el escándalo es una narrativa falsa, una cortina de humo que camufla en lugar de revelar. Cuando no sabemos lo que estamos viendo, reaccionamos de forma exagerada.

¿La mayor obra de arte sobre Nueva York? La pregunta parece nebulosa. La magia y majestuosidad de la ciudad se destilan en las fotografías de Alfred Stieglitz y Paul Strand.

Los artistas que trabajan para otros artistas tienen que ver con conocer, aprender, desaprender, iniciar diálogos artísticos a largo plazo, hacer conexiones, crear aquelarres y obtener refugio temporal de la tormenta.

Fuera de los museos, en plazas públicas ruidosas, la gente mira a la gente. Dentro de los museos, dejamos ese reino y entramos en lo que podría llamarse la mente grupal, callándonos para mirar el arte.

La abstracción es una de las mayores herramientas visionarias jamás inventadas por los seres humanos para imaginar, descifrar y representar el mundo.

El verano es un buen momento para visitar museos de arte, que ofrecen el refrescante enjuague de las piscinas; solo que en lugar de agua fría, te sumerges en el arte.

El Museo Metropolitano de Arte tardó casi 50 años en despertar a Pablo Picasso. No fue propietaria de una de sus pinturas hasta 1946, cuando Gertrude Stein legó esa imagen indomable y cubista de sí misma, un retrato del escritor como un Buda del sumo, al Met, principalmente porque no le gustaba el Museo de Arte Moderno.

Cuando se construyen museos en estos días, los arquitectos, directores y fideicomisarios parecen estar más preocupados por el espacio social: lugares para hacer fiestas, cenar, donantes de vino y cena. Claro, estos son importantes en estos días, los museos tienen que traer dinero, pero engullen espacio y alejan el arte de la entrada.

La fotografía es lo más fácil de hacer y una de las cosas más difíciles de hacer bien.

El arte generalmente solo es noticia en Estados Unidos cuando el tema es el dinero.

La apropiación es la idea que se comió el mundo del arte. Ve a cualquier galería de Chelsea o bienal internacional y la encontrarás. Está ahí en pinturas de fotografías, fotografías de publicidad, esculturas con objetos prefabricados, videos que utilizan películas ya existentes.

Misión cumplida. El segundo piso abierto, de techos altos y súper reforzado del Museo de Arte Moderno fue construido a todos los efectos para acomodar instalaciones monumentales y esculturas gigantescas, en caso de necesidad. Ha surgido.

Marlene Dumas es una de las dos o tres artistas femeninas más exitosas del mundo, a juzgar por los precios. Nunca he revisado su trabajo, porque no encuentro nada en él que me entusiasme, sin importar cuánto lo mire.

Las grandes pinturas nuevas de Mark Grotjahn abundan en torrentes de empasto fibroso, depositados en matorrales, olas en cascada y haces que se hinchan, se trenzan o se superponen entre sí.

Muchos dicen que un marchante de arte que dirige un museo es un ' conflicto de intereses.'Pero tal vez el mundo del arte haya vivido una mentira artificial o involuntaria todos estos años cuando se trata de conflictos de intereses.

John Baldessari, el conceptualista de 79 años, ha pasado más de cuatro décadas haciendo arte conceptual lacónico e irónico sobre arte, tanto bueno como malo.

El estilo del arte egipcio antiguo es trascendentalmente claro, algo que los niños de 8 años pueden reconocer en un instante. Su consistencia y codificación es uno de los viajes visuales más épicos de todo el arte, uno que dura 30 dinastías repartidas en 3.000 años.

Probablemente solo un aficionado al arte como yo podría asignar un significado más profundo a algo tan simple y tonto como Tebowing. Pero, para nosotros, cada vez que la gente repite una postura o un pequeño baile, solos o juntos, vemos que puede significar algo. El lenguaje imaginario y tácito es lo nuestro.

El cubo blanco gigante ahora está impidiendo en lugar de mejorar los ritmos del arte. Preprograma el viaje del espectador, cambia el énfasis del proceso al producto y carece de individualidad y apertura. No es que el arte deba verse solo en entornos rutinarios bombardeados, sino que debería parecer vivo.

La alquimia de una buena curaduría equivale a esto: A veces, colocar una obra de arte cerca de otra hace que uno más uno sea igual a tres. Dos obras de arte dispuestas alquímicamente dejan cada una intacta, transforman ambas y crean una tercera cosa.

Ahora la gente mira 'El Grito' o 'Los Lirios' de Van Gogh o un Picasso y ve su nuevo contenido: el dinero. Las casas de subastas equiparan inherentemente el capital con el valor.

Me encantan los marchantes de arte. De alguna manera, son mis personas favoritas en el mundo del arte. De verdad. Me encanta que pongan su dinero donde está su gusto, creen sus propios universos estéticos, apoyen a artistas, empleen a personas y hagan todo esto mientras nos dejan ver arte de forma gratuita. Muchos son visionarios.

Por supuesto, la ética del mundo del arte es importante. Pero los museos no son más puros que cualquier otra institución o negocio. Los académicos no son necesariamente más nobles que los galeristas.

Muchos museos están atrayendo al público con arte que aparentemente es más entretenido que cosas que simplemente se sientan e invitan a la contemplación. La interactividad, los artilugios, comer, pasar el rato , las cosas que hacen ruido, todo es ahora la norma, a menudo superando a muchas otras cosas.

La carrera de Lucian Freud afirma que lo único que puede hacer un artista es mantenerse fiel a cualquier visión, (falta de) talento o ideas que lo eligieron para darse a conocer al mundo.

Viviendo y trabajando durante cuatro décadas en un apartamento y estudio de Bolonia que compartía con sus hermanas solteras, Morandi pintó poco más que botellas, cajas, frascos y jarrones. Sin embargo, al igual que la de Chardin y el subestimado William Nicholson, el trabajo de Morandi parece ralentizar el tiempo y mostrarte cosas que nunca antes habías visto.

Si tan solo pudiéramos persuadir a las galerías a observar un período de barbecho en el que, durante dos meses cada dos años, las obras de arte nuevas y antiguas pudieran venderse en trastiendas y todas las galerías principales se dedicaran a volver a visitar espectáculos pasados.

Estoy notando un nuevo enfoque de la creación artística en las recientes exposiciones de museos y galerías. Se enfocó en 'Younger Than Jesus' del New Museum el año pasado y se presentó en la Bienal Whitney, y lo estoy viendo florecer y dar frutos en' Greater New York', la extravagancia de talentos locales emergentes de dos décadas del MoMA PS 1.

Ojalá pudiera escribir sobre espectáculos fuera de Nueva York. A menudo me siento como la última persona en saber algo, porque casi nunca salgo de la ciudad, y cuando lo hago, tiendo a ir durante tres días como máximo. Ver entre 30 y 40 espectáculos a la semana en aproximadamente 100 galerías y museos ocupa casi todo mi tiempo.

Veo alrededor de 100 espectáculos al mes, desde palacios del tamaño de Niketown donde tienes ganas de gritar, hasta escaparates en Bushwick. Cada uno tiene que pagar las facturas; mantener contentos a los artistas; y lidiar con los coleccionistas (¡oye!), curadores (ay-yi-yi), críticos (woo-hoo!), y ocasionalmente plomeros. Que su vida fiscal a menudo esté en juego solo aumenta la energía.

Veo de 30 a 40 exposiciones en galerías a la semana, y no importa en qué estado de ánimo esté, no importa cuán malo sea el arte, casi siempre me siento mejor después. Puedo aprender tanto del mal arte como del bien.

A menudo me encuentro discutiendo en privado sobre gran parte del arte británico, pensando que, excepto por sus tremendos jardines, los ingleses no son principalmente artistas visuales y, de manera casi insuperable, literarios.

Me gusta algo de George W. Bush. Mucho. Después de pasar más de una década teniendo reacciones casi fisiológicas y químicas cada vez que lo veía, recibiendo insultos cada vez que hablaba, después de estar seguro desde el principio de que era un Duende en el ala de Estados Unidos, realmente me gustan las pinturas de George W. Bush.

No planifico mis visitas con rigor, pero tengo una lista de aproximadamente 125 galerías, espacios alternativos, museos, etc. de Nueva York que visito regularmente. Eso es lo más parecido que tengo a una estrategia: voy a muchos lugares, muchos que los artistas no visitan.

Si la Feria de Arte Frieze se pone de moda, imagino que sucederán al menos dos grandes cosas. Primero, una vez más tendremos una gran feria de arte en la ciudad a la que no es demasiado molesto ir. Más importante aún, Frieze finalmente puede mostrar a los neoyorquinos que podemos cruzar nuestras propias aguas para la cultura visual. Eso lo cambiaría todo.

Imagina que es 1981. Eres un artista, enamorado del arte, enamorado de la historia del arte. También eres una mujer, casi sin mentores a quienes recurrir; la historia del arte simplemente no te atrae. Cualquier mujer que se acercara a la historia del arte a principios de los ochenta intentaba ingresar a un país casi extranjero, un dominio restringido y excluyente que hablaba un idioma privado.

De alguna manera Lawler es una Diane Arbus conceptual. Es una acosadora que se aprovecha de las situaciones. Ella abre las cortinas, haciendo que las cosas normales parezcan monstruosas y que las monstruosas se vuelvan mundanas.

El trabajo de Koons siempre se ha distinguido por su perfección individual, teatralidad épica, un impulso corrupto y casi enfermizo de purificación y una obsesión con los valores artísticos tradicionales.

Las pinturas de Kinkade no valen nada, y los medios lamestream que lo aman están equivocados. Sin embargo, me encantaría ver a un museo montar una pequeña muestra del trabajo de Kinkade. Me gustaría que el mundo del arte y el resto del mundo discutieran sobre él en público, abiertamente.

Me llevó veinte años conseguir el trabajo de Steven Parrino. Desde el momento en que vi por primera vez su arte, a mediados de los ochenta, casi siempre lo descarté como una abstracción artística de chicos de heavy metal amanerada, Romántica, formulista, conceptualista-formalista.

Así como Pollock usó el goteo para fusionar proceso y producto, Richter 'encontró' y usó la mancha y el desenfoque para deslumbrar el ojo, creando obras de poder psíquico y físico.

Jeffrey Deitch es el Jeff Koons de los marchantes de arte. No porque sea el más grande, el mejor o el más rico de su especie. Pero porque de alguna manera es el más extraño (lo que dice mucho cuando se habla de las criaturas maravillosas, malvadas, adorables y molestas conocidas como marchantes de arte).

Es genial que Nueva York tenga grandes espacios para el arte. Pero la enorme caja inmaculada se ha convertido en un lugar anticuado, incluso opresivo. Muchos de estos espacios fueron diseñados para instalaciones extensas, pinturas grandes y el trabajo de Estética Relacional de los últimos quince años.