Gerhard Richter Citas famosas

El arte es la forma más elevada de esperanza.

Pintar es mi profesión, porque siempre ha sido lo que más me interesaba. Tengo cierta edad, vengo de una tradición diferente y, en cualquier caso, no puedo hacer otra cosa. Todavía estoy muy seguro de que pintar es una de las capacidades humanas más básicas, como bailar y cantar, que tiene sentido, que se queda con nosotros, como algo humano.

Ahora no quedan sacerdotes ni filósofos, los artistas son las personas más importantes del mundo.

No sé cómo puedo describir la cualidad que solo se encuentra en el arte( ya sea música, literatura, pintura o lo que sea), esta cualidad, simplemente está ahí y perdura.

Dado que no existe la rectitud y la verdad absolutas, siempre buscamos la verdad artificial, líder y humana. Juzgamos y creamos una verdad que excluye otras verdades. El arte juega un papel formativo en esta fabricación de la verdad.

El arte es el medio ideal para tomar contacto con lo trascendental, o al menos para acercarse a él.

Hablar de pinturas no solo es difícil, sino quizás también inútil. Solo puedes expresar con palabras lo que las palabras son capaces de expresar what lo que el lenguaje puede comunicar. La pintura no tiene nada que ver con eso.

El arte nos muestra cómo ver las cosas constructivas y buenas, y ser parte activa de eso.

Encuentro el período romántico extraordinariamente interesante. Mis paisajes tienen conexiones con el romanticismo: a veces siento un verdadero deseo, una atracción por este período, y algunas de mis imágenes son un homenaje a Caspar David Friedrich.

Estoy agradecido de que la iglesia exista, agradecido de que haya hecho cosas tan grandes, dándonos leyes, por ejemplo, 'harás' y 'no harás', y estableció el Bien y el Mal. Eso es lo que hacen todas las religiones, y tan pronto como tratamos de reemplazarlas, las religiones mundanas como el fascismo y el comunismo toman el relevo.

Por supuesto, constantemente me desespero por mi propia incapacidad, por la imposibilidad de lograr algo, de pintar una imagen válida y verdadera o incluso de saber cómo debería verse tal cosa. Pero siempre tengo la esperanza de que, si persevero, algún día pueda suceder. Y esta esperanza se nutre cada vez que aparece algo, un indicio inicial disperso, parcial,de algo que me recuerda lo que anhelo, o que transmite un indicio de ello, aunque con bastante frecuencia me he dejado engañar por un destello momentáneo que luego desaparece, dejando atrás solo lo habitual.

A menudo necesito mucho tiempo para entender las cosas, para imaginar una pintura que podría hacer.

La fotografía es la imagen más perfecta. No cambia; es absoluto y, por lo tanto, autónomo, incondicional, desprovisto de estilo. Tanto en su forma de informar, como en lo que informa, es mi fuente.

Me gusta todo lo que no tiene estilo: diccionarios, fotografías, naturaleza, yo mismo y mis pinturas. (Porque el estilo es violento, y yo no soy violento.)

Mis pinturas son más sabias que yo.

Imaginar las cosas, tener una visión, es lo que nos hace humanos; el arte es darle sentido y darle forma a ese sentido. Es como la búsqueda religiosa de Dios.

Soy ridículamente anticuado.

El arte debe ser serio, no una broma. No me gusta reírme del arte.

Quiero contenido pictórico sin sentimiento, pero lo quiero lo más humano posible

Voy al estudio todos los días, pero no pinto todos los días. Me encanta jugar con mis modelos arquitectónicos. Me encanta hacer planes. Podría pasarme la vida arreglando cosas.

Pasan las semanas y no pinto hasta que por fin no aguanto más. Me harto. Casi no quiero hablar de eso, porque no quiero volverme consciente de ello, pero tal vez creo estas pequeñas crisis como una especie de estrategia secreta para presionarme a mí mismo.

El año siempre es correcto, también el mes, solo el día puede ser otro. Pero eso se me ocurre solo en el momento de escribirlo.

Casi todas las obras de arte son una analogía. Cuando hago una representación de algo, esto también es una analogía con lo que existe; hago un esfuerzo por controlar la cosa representándola. Prefiero mantenerme alejado de cualquier cosa estética, para no ponerme obstáculos a mi manera y no tener el problema de que la gente diga: 'Ah, sí, así es como él ve el mundo, esa es su interpretación.'

Creo que el arte tiene una especie de rectitud, como en la música, cuando escuchamos si una nota es falsa o no.

Por supuesto, las imágenes de objetos también tienen este lado trascendental. Todo objeto, al ser parte de un mundo en última instancia incomprensible, también encarna ese mundo; cuando se representa en una imagen, el objeto transmite este misterio de manera tanto más poderosa cuanto menos "función" tiene la imagen. De ahí, por ejemplo, la creciente fascinación de muchos hermosos retratos antiguos.

La pintura para las pinturas grises se mezcló de antemano y luego se aplicó con diferentes implementos, a veces un rodillo, a veces un pincel. Fue solo después de pintarlos que a veces sentí que el gris aún no era satisfactorio y que se necesitaba otra capa de pintura.

Lo que me atrajo de mis espejos fue la idea de no tener nada manipulado en ellos. Un pedazo de espejo comprado. Simplemente colgado allí, sin ningún agregado, para operar de manera inmediata y directa. Incluso a riesgo de ser aburrido. Mera demostración. Los espejos, y más aún los Cristales, también estaban ciertamente dirigidos contra Duchamp, contra su Gran Cristal.

Comencé a hacer 'figuras', luego, un día, de repente, comencé a hacer abstracción. Y luego comencé a hacer las dos cosas. Pero nunca fue realmente una decisión consciente. Era simplemente una cuestión de deseo. De hecho, realmente prefiero hacer obra figurativa, pero la figura es difícil. Entonces, para solucionar la dificultad, me tomo un descanso y pinto de manera abstracta. Lo que realmente me gusta, por cierto, porque me permite hacer hermosas pinturas.

Mi método está relacionado con un intento de hacer algo que pueda ser entendido por el mundo de hoy, o que al menos pueda proporcionar comprensión. En otras palabras, hacer algo que entiendo y que todos entienden. Este deseo natural de comunicación también se encuentra en otros dominios, como la lectura y el discurso, etc. También odio repetirme; no me da placer en absoluto. Una vez que he entendido algo, necesito comenzar en un terreno nuevo.

A diferencia de la fotografía y las impresiones, nunca catalogué, realicé un seguimiento ni exhibí los bocetos. Vendí algunos ocasionalmente, pero nunca me vi a mí mismo como artista gráfico. Sin embargo, se volvieron más importantes para mí gracias a la exposición y me di cuenta de que estos dibujos eran bastante interesantes después de todo.

Nunca he encontrado nada que falte en un lienzo borroso. Todo lo contrario: puedes ver muchas más cosas en él que en una imagen nítidamente enfocada. Un paisaje pintado con exactitud obliga a ver un número determinado de árboles claramente diferenciados, mientras que en un lienzo borroso puedes percibir tantos árboles como quieras. La pintura es más abierta.

Las imágenes son la idea en forma visual o pictórica; y la idea tiene que ser legible, tanto en la imagen individual como en el contexto colectivo, lo que presupone, por supuesto, que las palabras se utilicen para transmitir información sobre la idea y el contexto. Sin embargo, nada de esto significa que las imágenes funcionen como ilustraciones de una idea: en última instancia, son la idea. La formulación verbal de la idea tampoco es una traducción de lo visual: simplemente guarda cierta semejanza con el significado de la idea. Es una interpretación, literalmente una reflexión.

Una obra de arte es en sí misma un objeto, en primer lugar, por lo que la manipulación es inevitable: es un requisito previo. Pero necesitaba la mayor objetividad de la fotografía para corregir mi propia forma de ver: por ejemplo, si dibujo un objeto de la naturaleza, empiezo a estilizarlo y a cambiarlo de acuerdo con mi visión personal y mi formación. Pero si pinto a partir de una fotografía, puedo olvidar todos los criterios que obtengo de estas fuentes. Puedo pintar contra mi voluntad, por así decirlo. Y eso, para mí, se sintió como un enriquecimiento.

La fotografía casi no tiene realidad; es casi una imagen al cien por cien. Y la pintura siempre tiene realidad: puedes tocar la pintura; tiene presencia; pero siempre produce una imagen, no importa si es buena o mala. Esa es toda la teoría. No es bueno. Una vez tomé algunas fotografías pequeñas y luego las unté con pintura. Eso resolvió en parte el problema, y es realmente bueno, mejor que cualquier cosa que pueda decir sobre el tema.

De hecho, fue solo a través del marchante Fred Jahn que logré superar mi reserva sobre las obras en papel y exhibirlas. A esto se sumó, por supuesto, el hecho de que después de diez años pude ver las acuarelas con una luz diferente, y junto con las imágenes pintadas después, al menos se habían vuelto más comprensibles para mí.

Pintar cuadros es simplemente lo oficial, el trabajo diario, la profesión, y en el caso de las acuarelas más pronto puedo permitirme seguir mi estado de ánimo, mi estado de ánimo.

Fotos familiares, fotos de grupos, esas son realmente maravillosas. Y son tan buenos como los viejos maestros, tan ricos y tan bellamente compuestos (¿qué significa eso de todos modos?).

Cuando pinto a partir de una fotografía, se elimina el pensamiento consciente. No se lo que estoy haciendo. Mi trabajo está mucho más cerca de lo informal que de cualquier tipo de 'realismo'. La fotografía tiene una abstracción propia, que no es fácil de ver.

En lo que respecta a la superficie, óleo sobre lienzo, aplicado convencionalmente, mis imágenes tienen poco que ver con la fotografía original. Están totalmente pintando (sea lo que sea que eso signifique). Por otro lado, se parecen tanto a la fotografía que lo que distinguía a la fotografía de todas las demás imágenes permanece intacto.

Quizás la elección sea negativa, ya que estaba tratando de evitar todo lo que tocaba temas conocidos, o cualquier tema, ya fuera pictórico, social o estético. Traté de no encontrar nada demasiado explícito, de ahí todos los temas banales; y luego, nuevamente, traté de evitar que lo banal se convirtiera en mi problema y mi marca registrada. Entonces, en cierto modo, todo es una acción evasiva.

Tal vez las Puertas, Cortinas, Cuadros de Superficie, Paneles de Vidrio, etc. son metáforas de desesperación, impulsadas por el dilema de que nuestro sentido de la vista nos hace aprehender las cosas, pero al mismo tiempo restringe y en parte impide nuestra aprehensión de la realidad.

Las primeras cartas de colores no eran sistemáticas. Se basaron directamente en muestras de color comerciales. Todavía estaban relacionados con el Arte Pop. En los lienzos que siguieron, los colores fueron elegidos arbitrariamente y dibujados al azar. Luego, se mezclaron 180 tonos de acuerdo con un sistema dado y se dibujaron al azar para hacer cuatro variaciones de 180 tonos. Pero después de eso, el número 180 me pareció demasiado arbitrario, así que desarrollé un sistema basado en una serie de tonos y proporciones rigurosamente definidos.

A partir de mezclas de los tres colores primarios, junto con el blanco y el negro, se me ocurre un cierto número de colores posibles y, multiplicándolos por dos o cuatro, obtengo un número definido de campos de color que vuelvo a multiplicar por dos, etc. Pero la realización completa de este proyecto exige una gran cantidad de tiempo y trabajo.

Creo que él sabía más de lo que estaba haciendo. Puede que esté absolutamente equivocado al respecto, pero esa fue mi impresión.

El gris ciertamente está inspirado en las pinturas fotográficas y, por supuesto, está relacionado con el hecho de que creo que el gris es un color importante, el color ideal para la indiferencia, sentarse cerca, quedarse callado, desesperarse. En otras palabras, para estados del ser y situaciones que nos afectan, y para las que nos gustaría encontrar una expresión visual.

El arte siempre trata en gran medida de la necesidad, la desesperación y la desesperanza.

Puedes compararlo con los sueños: tienes un lenguaje pictórico muy específico e individual que aceptas o que puedes traducir precipitada y erróneamente. Por supuesto, puedes ignorar los sueños, pero sería una pena, porque son útiles.

Ignoro qué motivó al artista, lo que significa que las pinturas tienen una calidad intrínseca. Creo que Goethe lo llamó la 'dimensión esencial', lo que hace grandes las grandes obras de arte.

En verdad, la información objetiva, nombres o fechas, nunca me ha interesado mucho. Esas cosas son como un lenguaje extraño que puede interferir con el lenguaje de la pintura, o incluso evitar su aparición.

Con un cepillo tienes el control. La pintura va en el pincel y haces la marca. Por experiencia sabes exactamente lo que sucederá. Con la escobilla de goma pierdes el control.